Juan Carlos Gayoso - Artista Plástico

“Causas de Resquebrajamientos en Pinturas al Óleo.”

2010-08-14T11:05:00.000-07:00

A continuación, presentaré algunas causas de resquebrajamientos más comunes, de las pinturas al óleo, y las correspondientes soluciones para poder evitar dichos inconvenientes.

En aquella telas (lino, lienzo, liencillo, algodón) preparadas con una imprimación indebida, cuya emulsión carezca de elasticidad, para acompañar la constante, diaria contracción y dilatación de las fibras, en las telas antes mencionadas, se produce no solo el resquebrajamiento de la imprimación, sino por ende, y de igual modo, de la capa pintada al óleo, sobre la misma.

Hay que tener en cuenta, que la capa de imprimación, también llamada capa flotante, es la parte fundamental, de la durabilidad y preservación de la obra, por varias razones.

La capa flotante, es la que adhiere las fibras de la tela, con la capa pintada, y naturalmente por muchos años, los tres elementos (tela, imprimación, y capa de pintura al óleo) tienen que acompañar de igual forma, las normales contracciones y dilataciones de la obra, dependiendo las mismas, de los cambios de humedad y temperatura ambiental, donde se encuentre la obra.

Unas de las mas longevas fórmulas de imprimación, que incluyen el sisado, esta conformada con cola de conejo, blanco de España o creta (carbonato de calcio) y gesso.

Dicha formula si no se realiza los pasos correspondientes, o por el exceso de creta, gesso, y si dichos componentes no son bien disueltos, en la cola de conejo, se producirá el resquebrajamiento de la misma.

De igual modo si aplicamos una segunda capa de Gesso, sin estar seca totalmente la imprimación, ocurrirá el inconveniente mencionado.

También, hace muchos años se venden, de diferentes fabricantes, en muchos mercados, imprimaciones polimerizadas (específicas para telas que serán pintadas al óleo) envasadas en galones.

Este tipo de imprimación, por ser inorgánica (a diferencia de la cola de conejo) evita proliferación de hongos, liquen y descomposición de las telas, por agentes orgánicos. También tiene la gran virtud de impermeabilizar la misma, con el consiguiente beneficio, de que la contracción sea más rápida de la tela, aun en caso de presiones leves sobre la obra.

Otras de las causas mas frecuentes de resquebrajamientos, es el abusivo uso de aguarrás, trementina, y otros elementos volátiles, que aplicados erróneamente como mediun sobre la tela, o diluyendo el óleo con los mismos elementos mencionados, no solo procederá en muy corto tiempo el inconveniente mencionado, sino por ende, la correspondiente despigmentación de los colores al óleo diluidos con tales elementos.

Juan Carlos Gayoso
maestrogayoso@inverarts.com

Extraído de: http://inverarts.wordpress.com/2010/08/10/causas-de-resquebrajamientos-en-pinturas-al-oleo-por-el-maestro-juan-carlos-gayoso/

“Extrema vulnerabilidad, de las obras plasmadas con pinturas acrílicas”.

2010-06-11T17:39:00.000-07:00

Del mismo modo, se están presentando informes de importantes instituciones de arte y museos, sobre alteraciones y deterioros notorios, con aquellas obras plasmadas con pinturas acrílicas, donde no solo como artista plástico, sino como restaurador de obras de arte, yo lo venía informando y advirtiendo desde el año 1977, al igual que la innovación de la llamada Plaka (como materia acuarelada para pintar) donde al poco tiempo de utilizar este producto sobre papel, se producía una contundente des-pigmentación de dicha materia.

En ese entonces, se observaban en algunas marcas de pinturas acrílicas, donde los colores rojos, verdes y azules iban tomando una tonalidad mas grisácea a medida que pasa el tiempo, y las obras no solo denotaban una percepción al observador distinta y distorsionada, a la paleta tonal, que el artista elaboro en ese momento, y por ende, la impresión de la obra es totalmente diferente a la que originalmente plasmó la obra , siendo en muchos casos, totalmente irrecuperable el tono original con que fue realizada.

Hay que tener en cuenta que la pintura acrílica esta elaborada con pigmentos en dispersión de resina al 100% acrílica, y su extrema vulnerabilidad a los cambios rápidos de temperatura, el polvo ambiental, humedad extremas, acelera la alteración de dicha resina aunado a pigmentos de poca resistencia a la luz ultravioleta o ambiental.

Recomiendo para una perfecta conservación de la obra, que la misma, se encuentre a una temperatura, entre los 13 y 24 grados centígrados y una humedad entre los 40% y 50%. El tratar de eliminar con un paño húmedo las impurezas y el polvo ambiental que posee la obra, impregnado con solventes o estabilizadores, solo acentuará la aceleración del proceso de deterioro de la misma, apreciándose notoriamente, después de breve tiempo, como se van acentuando los colores en tonos grisáceos, siendo en la mayoría de los casos irreversible el daño ocasionado por dicha acción.

Los tratamientos de limpieza a base de agua pueden eliminar rápidamente ese material (impurezas y polvo ambiental) y no parecen afectar negativamente a la conservación de las pinturas, deliberadamente realizadas por un experto restaurador de obras de arte.

Juan Carlos Gayoso
maestrogayoso@inverarts.com

Extraído de: https://inverarts.wordpress.com/2010/06/07/extrema-vulnerabilidad-de-las-obras-plasmadas-con-pinturas-acrilicas-por-el-maestro-gayoso/

"Metal y madera en el Arte Contemporáneo"

2010-06-08T17:05:00.000-07:00

En el arte contemporáneo nos encontramos con escultores que, tratando de lograr nuevas e innovadoras fuentes comunicacionales de su arte ante el público, buscaron ensamblar y fusionar de alguna manera, materias como el metal y la madera.

En mi larga trayectoria como restaurador de obras de arte, me he encontrado con esculturas contemporáneas, donde los artistas tratando de elevar la bidimencionalidad de sus obras, han incorporado a las mismas soportes de maderas adheridos mediante ciertos pegamentos a láminas de aluminio.

Hay que tener en cuenta, que las maderas dependiendo de los cambios constantes de temperatura y la humedad variable del ambiente en que se encuentre la misma, sus fibras entran en expansión y contracción produciendo a mediados o largo plazos resquebrajamientos de la misma, si no son controlables dichos cambios térmicos y de humedad, además de tomar en cuenta y evaluando profesionalmente, si se utiliza como soporte para otra materia donde formara parte del ensamble de una escultura.

Dicho efecto de resquebrajamientos de la madera, se puede apreciar en la página de restauraciones de mi Web (https://www.gayosoart.com) donde se encuentran en período de reparación por mi persona, imágenes de retablos pintados al óleo, especialmente en el periodo barroco de los siglos XVII y XVIII, que por adolecer de refuerzos en forma de travesaños de madera por detrás del retablo, se produce estos fisuras en las fibras de la misma, donde con el tiempo, se acentuará totalmente el proceso, deteriorándose la obra por completo, si no se toman los paliativos a tiempo.

El aluminio, por ser unos de los metales de gran conductividad de temperaturas, dependiendo de los cambios ambientales, el mismo, no es recomendable adherirlo mediante ciertos pegamentos, a un soporte de madera, ya que por alteraciones anteriormente enumeradas de la madera y de dicho metal, por su constante movimiento terminarían desprendiéndose el adhesivo, y por ende se separarían los mismos de la obra, con el consiguiente daño a la misma.

Al igual que mi anterior artículo, donde narraba la inclusión de materiales no compatibles del POP ART por los artistas de los años 60 y 70, de igual manera, nos encontramos con la misma problemática en estas esculturas contemporáneas, de rechazo de materiales por incompatibilidad de los mismos, ya que los pintores y escultores, no tomaron en cuenta, ni evaluaron tales efectos, aunado al desconocimiento del comportamiento de los mismos, al tratar de ensamblarlos en sus obras.

Juan Carlos Gayoso
maestrogayoso@inverarts.com

Extraído de : inverarts.wordpress.com/2010/06/07/metal-y-madera-en-el-arte-contemporaneo-por-el-maestro-gayoso/

"El Arte Cura"

2010-05-28T17:41:00.000-07:00

Somos seres conformados por espíritu, mente y cuerpo, y un sueño, anhelo o deseo se editan en nuestro cerebro, en una serie de imágenes, que cuando las mismas se transforman en formas coloridas artísticas, que proviene del espíritu es vista por la mente.Cuando la misma, procesa ese cúmulo de imágenes, las convierte en una sola, donde llegado el momento de plasmarla a través del arte, nos produce no solo un gran bienestar, felicidad y liberación espiritual.

Estas imágenes, se producen en nuestro lado derecho del cerebro donde también se desarrolla la creatividad.

Las imágenes presentes en el lado derecho de cerebro activan el hipotálamo. El mismo activa el sistema autónomo, y como resultado se produce el despertar o la relajación de un sistema de doble equilibrio.

De esta manera, se mantiene el ritmo cardíaco, respiratorio, regenerando los fluidos y la dinámica celular, interconectando neuronas, elemento fundamental para combatir el mal de Alzheimer, entre otros beneficios.

En la asidua labor de hacer arte, esta contemplado dentro de una investigación plástica, una constante búsqueda de herramientas como forma de expresión, desarrollando cada vez más y alimentando la creatividad, donde la misma, no tiene limites de crecimiento.

Cuando se desarrolla la creatividad plástica, la misma se aplica en otros campos, como la matemática, intelectual, cultural y social, etc.

Hacer arte, ya sea pintando, esculpiendo, dibujando u otras disciplinas dentro del mismo, incluyendo la música, cambia profundamente nuestro estado espiritual y de esa manera ayuda por ejemplo, a mejorar y curar en su gran mayoría, las diferentes patologías y difusiones psicológicas, y fortalecer el sistema inmunológico donde llega a combatir las células cancerosas.

Cuando la persona se encuentra realizando arte, el sistema inmunológico se libera y se potencia su funcionamiento, mejorando la calidad de vida y las posibilidades de vencer innumerables enfermedades y evitar otras.

La estimulación de la rama parasimpático del sistema nervioso autónomo, tiene como resultado la relajación, la curación, la reparación corporal y el mantenimiento preventivo.

Desde esa visión, nos auto curamos, materializando nuestros sueños con el arte.!!

Hay que tener en cuenta que el Arte Terapia se aplica como una profesión, desde 1930.

Los psiquiatras se interesaron cada vez más en el trabajo artístico hecho por pacientes y estudiaron la relación entre el arte y la enfermedad de sus pacientes.

Más de treinta años como Artista Plástico, inmerso en la pedagogía del Arte, corroboran lo antedicho, y he compartido vivencias increíbles, pudiendo ver como personas no solo se curaron pintando y esculpiendo, sino que han logrado la absoluta armonía espiritual, elevando su crecimiento personal y profesional en algunos casos.

Por todo esto, cuando aprecien la belleza de una obra de arte, “también estarán viendo el yo interno y la espiritualidad del artista”!!

Extraído de : http://www.inverarts.com/Inverarts/Inverarts_-_Publicaciones.html

Juan Carlos Gayoso
jgayoso@inverarts.com

"SUMMER"

2009-06-24T11:04:00.000-07:00

http://www.gayosoart.com

"SUMMER"

Summer sky blue

Sea maritime green

Meet at the horizon

AERONWY THOMAS

"ESTATE"

Il blu del cielo estivo

E il verde del mare

Si incontrano all’orizzonte.

Translated by: Lidia Chiarelli

http://immaginepoesia.blog.lastampa.it/immagine_poesia/2009/06/marina-de-la-costa-quadro-di-juan-carlos-gayoso-venezuela.html

"Song of the Sea".

2009-03-21T19:05:00.000-07:00

http://poemofthesea.blogspot.com/

Portal montevideo.com.uy entrevista al Artista Juan Carlos Gayoso.

2008-11-09T21:41:00.000-08:00

Pinceladas

El artista plástico uruguayo Juan Carlos Gayoso, actualmente radicado en Venezuela, habló con Montevideo Portal sobre sus inicios, el oficio del artista y los temas subyacentes en su obra.

Juan Carlos Gayoso nació el 7 de Agosto de 1952 en Montevideo Uruguay. Comenzó de forma auto-didacta a muy temprana edad, recorriendo y perfeccionándose en las diferentes ramas de la plástica.

Llegó a realizar escultura en metal, más tarde definió su estilo propio tomando motivos del paisaje venezolano el cual plasma por medio del óleo, acuarela y medios combinados, interpretando así el alto cromatismo del mismo.

Siguiendo su obra podremos observar un escenario natural impresionista con claras acentuaciones expresionistas, en el que asume un particular monocromatismo para elevar su esencia.

Así se presenta el artista uruguayo en su página web, que contiene una amplia muestra de sus colecciones, así como entrevistas y novedades vinculadas a su labor.

Montevideo Portal se contactó con él para conocer un poco más de su arte.

¿Cómo comenzaste tu carrera artística?

Comienzo desde muy pequeño, pues recuerdo que a los 8 años en forma autodidacta incursiono en la talla en madera escultura.

A los 10 años adopto la técnica de témpera sobre terciopelo y cartulina negra, plasmando paisajes chinos. Más tarde la escultura, llevo al campo de la soldadura artística en metales, confeccionando bases de lámparas.

Luego bajo la tutoría plástica de Andrés Tarallo y su hijo y gran pintor Jorge Tarallo, recibo los primeros conocimientos de la técnica del óleo.

A los 12 años después de exigirme una mentalidad polifacética en técnicas y estilos dentro de la pintura al óleo, comienzo la temprana recorrida por las Galerías de Arte de 18 de Julio, mostrando mis primeras obras, recibiendo consejos y apoyo de las mismas.

A tan corta edad ya me preparaba los lienzos con la técnica de los grandes maestros.

En este último punto, veo que tenemos una clara diferencia entre los pintores de mi época y la de los artistas contemporáneos, pues éramos más artesanales dado que nos preparábamos los diferentes materiales, y hasta confeccionábamos muchas veces los marcos de las obras y hasta nos fabricábamos los pinceles.

¿Cuáles son los principales temas en tus obras?

Los escenarios naturales de Venezuela, por la rica diversidad de los mismos y su impresionante luz tropical, cuya sinfonía de colores se proyectan hasta en sus sombras. También estoy plasmando Bodegones en formatos grandes de frutas tropicales, además de motivos por encargo.

¿Qué técnicas te gusta utilizar?

Entre todas las técnicas mi preferida es el óleo, pues además de ser una materia noble y versátil, se acopla muy bien con los medios combinados. Y es por esto, que es una de las técnicas más ricas en cuanto a expresión plástica, produciendo mayor diversidad de sensaciones para el observador a través de una obra, trabajada perfectamente con dicha materia.

Mi lema fue siempre: “El óleo es la materia que puede imitar a las demás técnicas, pero a él, casi ninguna lo pueden imitar, ni suplantar”.

¿Vivís de tu arte?

Por supuesto, desde hace más de 40 años. Además de pintor, escultor, y restaurador de obras de arte, imparto cursos de las disciplinas mencionadas y de diseño gráfico.

Esta profesión ofrece un abanico de posibilidades increíbles donde el artista día a día tiene que ir renovándose constantemente, durante toda su vida. El secreto esta en tener una mentalidad polifacética, renovadora y en una constante investigación plástica, que conlleva a una mayor fuente de expresión, contribuyendo al crecimiento personal y al desarrollo pleno del artista.

De la acertada gerencia de esta divina profesión, depende del éxito plástico del artista.

¿Qué vinculo tenés actualmente con Uruguay?

Mi hija Verónica Gayoso, que su interés es incursionar en las disciplinas de las artes; mi amigo de la infancia Julio Tarallo, quien me trasmitió en aquellos años los secretos de la preparación de los lienzos, para pintar al óleo.

También tengo comunicaciones con artistas plásticos, galerías de arte, y las maravillosas informaciones y novedades de mi arte, que se editan constantemente el la web: www.octubre.com.uy/pgs_comunidad/art_jcgayoso.html

Por más datos y para conocer las obras de este artista: www.gayosoart.com

Portal Montevideo: www.montevideo.com.uy

3 - Juan Carlos Gayoso entrevistado por el destacado diseñador, Plácido Luna.

2008-11-09T18:32:00.000-08:00

(Tercera Parte).

Cerramos esta primer entrevista a Juan Carlos Gayoso con una consulta acerca de un tema que estoy abordando desde hace algún tiempo para una pequeña monografía, y sobre cuáles son los trabajos a los que se está dedicando actualmente y sus expectativas para el futuro de su carrera.

OD – De mi parte estoy llevando a cabo una investigación sobre qué factores locales afectan la creatividad visual en un sentido general. Esto es, factores tales como el entorno paisajístico o urbano, el ritmo de vida, tipo y ritmo visual del paisaje, etc.

¿Cómo crees que afectan estos parámetros en tu trabajo, y cuáles serían los principales factores que identificas en tu caso.

JCG – Es evidente que el artista, forma parte de ese paisaje y entorno urbanístico, y por ende, está proclive a las afecciones de índole sociales de estrés, situaciones vivenciales y todos los elementos en los diferentes tópicos que pueden afectar he influir en su fase espiritual, somática y psíquica, a menos que adopte una filosofía de impermeabilidad de los factores mencionados.

Socialmente el artista tiene diferentes parámetros y normativas a las de las personas que trabajan dentro de los horarios convencionales de una empresa, en lo particular lo considero un “ser espiritualmente más puro consigo mismo” dado que el artista no se rige comúnmente por horarios ni normas, convencionales de la mayoría de las personas que lo hacen.

El tiene la total “Libertad” de elegir el lugar, el tiempo que le dedica al trabajo de su obra, a su entorno y amistades. El artista aborda su obra, abstrayéndose durante y después de la ejecución de los factores nocivos antemencionados, y de entornos maquinales y materialistas de una sociedad que se ven en muchos lugares.

Hay artistas que por estar inmersos en la vivencias sociales se involucran con los acontecimientos, y su obra termina siendo parte de los mismos, como podemos ver en algunas de las pinturas de gran maestro español Francisco de Goya por dar un ejemplo.

Las afecciones de las nuevas situaciones de la época actual, pueden afectarlo dependiendo de la filosofía de vida del mismo, abstrayéndose y haciéndolas extracorpórea a su vida como plástico, o involucrándose en las mismas, para ser influenciado por ellas y proyectarlas en sus obras, conciente o inconcientemente.

Hay artistas, que conozco que viven y trabajan en los Andes de Venezuela, que viven en esos paramos de una pureza inmaculada, alejados de una contaminación atmosférica y social de las urbes, produciendo su arte en contacto directo con la naturaleza y sus obras. Por todo esto, “el verdadero artista, es lo que el quiere que sea, para si mismo y no lo que quieran los demás”.

“El arte es libertad, de vida y de pensamiento”.

“Viva el Arte”!!!

OD – Para finalizar esta primer entrevista me gustaría saber en obras estás trabajando y cuánto tiempo has dedicado a ellas, así como tus expectativas a corto y medano plazo en tu carrera.

JCG – En estos momentos estoy trabajando un óleo que me encargó un gran y apreciado amigo, cuyo motivo es un paisaje de los Andes Venezolanos, cuyas luces y policromía son inconmensurables dentro de los escenarios naturales de nuestro planeta.

También estoy elaborando por encargues de galerías de arte dos Guaraira Repano, icono de nuestra Caracas.

También estoy terminando una restauración de un óleo de gran formato, que fue afectado por el fuego, propiedad de otro excelente amigo, donde el proceso del mismo lleva más de 2 años, pronta finalizarse la misma.

Con respecto a la duración de elaboración de una obra, te diré que cada obra tiene su tiempo, dependiendo de muchos factores cuando la empiezo, pero no predigo el tiempo de ejecución y finalizado de la misma.

Solo cuando lo determina el cúmulo de análisis, que realizo de la obra, aun después de terminada y mi yo espiritual, que la da por finalizada en su totalidad, con la ultima pincelada que determina mi firma en ella.

A corto plazo, el 7 de Noviembre del presente año, participo en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de la Universidad de Autónoma Chapingo – México, teniendo el honor, de haber sido invitado especial, donde la obra que presento formará parte del patrimonio cultural y artístico de dicha Universidad de ese país.

Como proyecto para el año entrante además de la pintura retomo la escultura en bronce. Y como futuros proyectos contemplo las proposiciones de invitaciones que se me hacen desde las galerías de arte para muestras individuales o colectivas y las venideras ferias de arte como bienales futuras.

Muchas gracias Juan Carlos por tu tiempo y disposición que nos dedicaste desde el inicio. Dado que quedaron varios temas abiertos, espero que en breve tengamos otro encuentro. Fue un gusto para mi realizar esta entrevista.

Saludos a todos!

Plácido Luna.
www.octubre.com.uy

2 - Juan Carlos Gayoso entrevistado por el destacado diseñador Plácido Luna.

2008-11-08T19:09:00.000-08:00

(Segunda Parte).

Continuando con la entrevista a Juan Carlos Gayoso, le preguntamos sobre las corrientes y maestros han influido en su carrera, los aspectos de su arte que más llegan al público, su vinculación con el mundo del diseño y sus actividades como restaurador y docente.

OD – ¿Qué corrientes y maestros han influido más en tu carrera?

JCG – En mi infancia, admiraba mucho a los pintores Uruguayos (y hasta el día de hoy) que fueron mis primeros ídolos, como Juan Manuel Blanes (mi favorito), Carlos F. Sáez, Pedro Blanes Viale, y recuerdo que desde pequeño, cada tanto iba solo al museo del Parque Rodó (Museo Nacional de Artes Visuales) y me sentaba a detallar y analizar las obras de estos grandes maestros.

También admiraba mucho a los escultores José L. Zorrilla de San Martín, y al inigualable José Belloni.

Mas tarde me inspiré en la pintura Europea: Leonardo da Vinci, Vermeer, Murillo y otros grandes de la pintura. Mi gran maestro inspirador fue Rembrandt Van Rijn que ya lo consideraba maestros de maestros.

OD – ¿Cuáles son los aspectos de tu arte que más llegan al público según tu punto de vista?

JCG – Bueno en los escenarios naturales, de acuerdo a los comentarios de la gente tanto en lo físico como en lo virtual, a través de lo que dejan plasmado en los libros de visitas de mi Web y mis Galerías Virtuales son las siguientes impresiones.

De los paisajes, las neblinas de los andes, los rayos de luces matinales que atraviesan el frondoso bosque tropical y el clima de paz espiritual que inspira el ambiente reinante, en las marinas, la trasparencia del mar y lo realista de la espuma del mismo, y en los bodegones, las texturas de las frutas y las gotas de rocío que se posan sobre las mismas. En los retratos, el tratamiento que le doy a la piel.

OD – Por lo que hemos hablado en otras oportunidades, sé que estás bastante vinculado al mundo del diseño, ¿Qué relaciones de vínculos o divergencias encuentras entre el arte y diseño?

JCG – Bueno, el diseño hoy en día, no solo por los avances tecnológicos en computación, está optimizado a los requerimientos y a la celeridad de los mercados mundiales de la publicidad y mercadeo, y por ende ofrece un mayor abanico de probabilidades a sus clientes y empresas, en forma rápida y eficaz.
Por otra parte la disciplina del diseño en todas sus ramas esta contemplado y forma parte dentro del Arte, “pues hacer diseño es hacer arte, y por ende el mismo es arte”.

Las artes plásticas, la escultura e ilustración son disciplinas en su mayoría, netamente artesanales, donde impera y se involucra la mano del artista, saliéndose de los esteriotipos y normativas convencionales de la publicidad y mercadeo del mundo empresarial.

Es un arte basado en los conceptos personales del artista donde plasma y expresa bajo su óptica personal, sus sueños, visiones, sentimientos y sensaciones de los elementos que el aborda para inmortalizarlos en una obra.

Bajo mi óptica y experiencia personal, ya que yo estoy inmerso en las dos disciplinas, opino que hay más elementos de complementación y cordones umbilicales entre ambas, que divergencias o acentuadas diferencias. Ambas tienen un mismo cimiento “la originalidad, creatividad y exclusividad”.

OD – ¿Qué factores tomarías de cada disciplina para complementar y enriquecer a la otra?

JCG – Esta pregunta es muy interesante, dado que me permite acentuar mi opinión de la pregunta anterior.

El artista de hoy en día, toma aquellas herramientas y conceptos de diseño para expresar su arte, en nuevas disciplinas que estamos viendo nacer como el arte y fotografía digital y hasta en videos con efectos especiales que le aportan los mismos programas que utiliza el diseñador.

El diseñador no solo retoma conceptos del arte, sino que los programas de efectos especiales (texturas, trazos, superposiciones, etc.) están elaborados de los elementos, técnicas y estilos creados por los artistas. Es por esto, que en dichos programas de diseño, están involucrados en asesoramiento grandes artistas.

OD – Sé que entre tus actividades dictas cursos y talleres de arte y de diseño a otros artistas plásticos y diseñadores. ¿Dónde encuentras las principales flaquezas en la preparación técnica y creativa en éstas áreas?

JCG – Bueno en realidad mis talleres y cursos de pintura van dirigidos a alumnos de diferentes tópicos y artistas que quieren especializarse en algunas técnicas y estilos específicos.

Las flaquezas que yo aprecio en el campo del diseño, es la aplicación psicopedagógica de hoy en día en algunas academias, dándole una mayor importancia a los programas y herramientas de diseño de computación, y obviando la fase primordial como una base sólida, de la preparación y conocimiento manual (artesanal) habiéndose relegado la misma a un somero conocimiento. Estos sistemas educativos, que se aplican en algunos lugares.

En lo particular no estoy de acuerdo con los mismos, por carecer del dominio y la practica manual, no solo limita lo motriz para la ilustración, perspectiva, y pintura, sino que además, hace que el cerebro trabaje en menor cuantía del rendimiento de su capacidad total, pues en realidad se lo hace un programa pre elaborado y no el.

Lo ideal es que después de una buena base y formación artesanal, el alumno incursione en el campo de estos programas de computación, ya con un concepto bien formado y una base sólida que le permita luego diseñar con total solvencia en esta materia, con una mayor creatividad, esencial para esta disciplina.

En realidad estos programas debieran de aplicarse, en una fase complementaria y secundaria, pues si el ser humano comienza a depender de programas pre elaborados, desarrolla menos pensamientos, la creatividad y habilidad manual.

Estoy totalmente de acuerdo con estos programas, en el sentido de las vicisitudes y celeridad de los mercados del diseño y la publicidad, pero eso sí, en la forma psicopedagógica como lo expuse antes, lográndose un profesional integral en todas sus formas.

Hay que tener en cuenta que dentro de la palabra “Diseño” están inmersas Diseño Gráfico, de Interiores, de Moda y otras, y mi experiencia como profesor de estas disciplinas, son la que me llevan a constatar con alumnos, esas “flaquezas” que se me hace en la pregunta.

Si vamos a lo físico practico un artista plástico mediante el aprendizaje de esos programas puede realizar excelentes diseños, pero un diseñador no puede pintar una obra realista, pues no es únicamente por los conocimientos de dicha disciplina y el dominio de la materia, sin enumerar los estilos, sino que en el campo motriz no esta preparado, dado que para esto se necesita tener un entrenamiento y habilidad al respecto.

En el campo de las artes plásticas, veo con gran preocupación como en determinados lugares imparten cursos con muchos alumnos ilustrando o pintando el mismo motivo a la vez, o lo que es peor, poniéndolos a copiar obras de grandes maestros.

Veo en este punto que los principios y valores académicos se han perdido, dado que la mejor psicopedagogía es optimizarla a los requerimientos y necesidades da cada alumno, para un ideal desarrollo el la Plástica y en su crecimiento personal como tal.

También se a obviado en muchas de estas “academias” el conocimiento y elaboración de los materiales a utilizar para tales impresiones, lo cual lleva al alumno a desconocer completamente, el comportamiento físico y químico aunado a los cambios térmicos y atmosféricos a que está expuesta la obra, y de esta manera se esta formando a un artista en su fase integral incompleto.

Continuando con la entrevista a Juan Carlos Gayoso le preguntamos sobre las corrientes y maestros han influido en su carrera, los aspectos de su arte que más llegan al público, su vinculación con el mundo del diseño y sus actividades como restaurador y docente.

OD – ¿Qué corrientes y maestros han influido más en tu carrera?

JCG – En mi infancia, admiraba mucho a los pintores Uruguayos (y hasta el día de hoy) que fueron mis primeros ídolos, como Juan Manuel Blanes (mi favorito), Carlos F. Sáez, Pedro Blanes Viale, y recuerdo que desde pequeño, cada tanto iba solo al museo del Parque Rodó (Museo Nacional de Artes Visuales) y me sentaba a detallar y analizar las obras de estos grandes maestros.

También admiraba mucho a los escultores José L. Zorrilla de San Martín, y al inigualable José Belloni.

Mas tarde me inspiré en la pintura Europea: Leonardo da Vinci, Vermeer, Murillo y otros grandes de la pintura. Mi gran maestro inspirador fue Rembrandt Van Rijn que ya lo consideraba maestros de maestros.

OD – ¿Cuáles son los aspectos de tu arte que más llegan al público según tu punto de vista?

JCG – Bueno en los escenarios naturales, de acuerdo a los comentarios de la gente tanto en lo físico como en lo virtual, a través de lo que dejan plasmado en los libros de visitas de mi Web y mis Galerías Virtuales son las siguientes impresiones.

De los paisajes, las neblinas de los andes, los rayos de luces matinales que atraviesan el frondoso bosque tropical y el clima de paz espiritual que inspira el ambiente reinante, en las marinas, la trasparencia del mar y lo realista de la espuma del mismo, y en los bodegones, las texturas de las frutas y las gotas de rocío que se posan sobre las mismas. En los retratos, el tratamiento que le doy a la piel.

OD – Por lo que hemos hablado en otras oportunidades, sé que estás bastante vinculado al mundo del diseño, ¿Qué relaciones de vínculos o divergencias encuentras entre el arte y diseño?

JCG – Bueno, el diseño hoy en día, no solo por los avances tecnológicos en computación, está optimizado a los requerimientos y a la celeridad de los mercados mundiales de la publicidad y mercadeo, y por ende ofrece un mayor abanico de probabilidades a sus clientes y empresas, en forma rápida y eficaz.
Por otra parte la disciplina del diseño en todas sus ramas esta contemplado y forma parte dentro del Arte, “pues hacer diseño es hacer arte, y por ende el mismo es arte”.

Las artes plásticas, la escultura e ilustración son disciplinas en su mayoría, netamente artesanales, donde impera y se involucra la mano del artista, saliéndose de los esteriotipos y normativas convencionales de la publicidad y mercadeo del mundo empresarial.

Es un arte basado en los conceptos personales del artista donde plasma y expresa bajo su óptica personal, sus sueños, visiones, sentimientos y sensaciones de los elementos que el aborda para inmortalizarlos en una obra.

Bajo mi óptica y experiencia personal, ya que yo estoy inmerso en las dos disciplinas, opino que hay más elementos de complementación y cordones umbilicales entre ambas, que divergencias o acentuadas diferencias. Ambas tienen un mismo cimiento “la originalidad, creatividad y exclusividad”.

OD – ¿Qué factores tomarías de cada disciplina para complementar y enriquecer a la otra?

JCG – Esta pregunta es muy interesante, dado que me permite acentuar mi opinión de la pregunta anterior.

El artista de hoy en día, toma aquellas herramientas y conceptos de diseño para expresar su arte, en nuevas disciplinas que estamos viendo nacer como el arte y fotografía digital y hasta en videos con efectos especiales que le aportan los mismos programas que utiliza el diseñador.

El diseñador no solo retoma conceptos del arte, sino que los programas de efectos especiales (texturas, trazos, superposiciones, etc.) están elaborados de los elementos, técnicas y estilos creados por los artistas.

Es por esto, que en dichos programas de diseño, están involucrados en asesoramiento grandes artistas.

OD – Sé que entre tus actividades dictas cursos y talleres de arte y de diseño a otros artistas plásticos y diseñadores. ¿Dónde encuentras las principales flaquezas en la preparación técnica y creativa en éstas áreas?

JCG – Bueno en realidad mis talleres y cursos de pintura van dirigidos a alumnos de diferentes tópicos y artistas que quieren especializarse en algunas técnicas y estilos específicos. Las flaquezas que yo aprecio en el campo del diseño, es la aplicación psicopedagógica de hoy en día en algunas academias, dándole una mayor importancia a los programas y herramientas de diseño de computación, y obviando la fase primordial como una base sólida, de la preparación y conocimiento manual (artesanal) habiéndose relegado la misma a un somero conocimiento.

Estos sistemas educativos, que se aplican en algunos lugares. En lo particular no estoy de acuerdo con los mismos, por carecer del dominio y la practica manual, no solo limita lo motriz para la ilustración, perspectiva, y pintura, sino que además, hace que el cerebro trabaje en menor cuantía del rendimiento de su capacidad total, pues en realidad se lo hace un programa pre elaborado y no el.

Lo ideal es que después de una buena base y formación artesanal, el alumno incursione en el campo de estos programas de computación, ya con un concepto bien formado y una base sólida que le permita luego diseñar con total solvencia en esta materia, con una mayor creatividad, esencial para esta disciplina.

En realidad estos programas debieran de aplicarse, en una fase complementaria y secundaria, pues si el ser humano comienza a depender de programas pre elaborados, desarrolla menos pensamientos, la creatividad y habilidad manual. Estoy totalmente de acuerdo con estos programas, en el sentido de las vicisitudes y celeridad de los mercados del diseño y la publicidad, pero eso sí, en la forma psicopedagógica como lo expuse antes, lográndose un profesional integral en todas sus formas.

Hay que tener en cuenta que dentro de la palabra “Diseño” están inmersas Diseño Gráfico, de Interiores, de Moda y otras, y mi experiencia como profesor de estas disciplinas, son la que me llevan a constatar con alumnos, esas “flaquezas” que se me hace en la pregunta.

Si vamos a lo físico practico un artista plástico mediante el aprendizaje de esos programas puede realizar excelentes diseños, pero un diseñador no puede pintar una obra realista, pues no es únicamente por los conocimientos de dicha disciplina y el dominio de la materia, sin enumerar los estilos, sino que en el campo motriz no esta preparado, dado que para esto se necesita tener un entrenamiento y habilidad al respecto.

En el campo de las artes plásticas, veo con gran preocupación como en determinados lugares imparten cursos con muchos alumnos ilustrando o pintando el mismo motivo a la vez, o lo que es peor, poniéndolos a copiar obras de grandes maestros.

Veo en este punto que los principios y valores académicos se han perdido, dado que la mejor psicopedagogía es optimizarla a los requerimientos y necesidades da cada alumno, para un ideal desarrollo el la Plástica y en su crecimiento personal como tal.

También se a obviado en muchas de estas “academias” el conocimiento y elaboración de los materiales a utilizar para tales impresiones, lo cual lleva al alumno a desconocer completamente, el comportamiento físico y químico aunado a los cambios térmicos y atmosféricos a que está expuesta la obra, y de esta manera se esta formando a un artista en su fase integral incompleto

Plácido Luna
http://www.octubre.com.uy/pgs_comunidad/20081028_entrevista_gayoso_ii.html

1 - Juan Carlos Gayoso entrevistado por el destacado diseñador Plácido Luna.

2008-11-08T17:57:00.000-08:00

(Primera parte).

Juan Carlos Gayoso se ha perfeccionado en diferentes ramas de la plástica, llegando a realizar esculturas en metal, definiendo luego su propio estilo tomando motivos del paisaje venezolano el cual plasma por medio del óleo, acuarela y medios combinados.

Su obra podremos refleja un escenario natural impresionista con claras acentuaciones expresionistas, en el que asume un particular monocromatismo para elevar su esencia.

Bueno, ya sin más preámbulos, pasemos a la entrevista que le realizáramos:

OD – Hola Juan Carlos, nos gustaría que te presentaras de la forma en que mejor te sientas identificado.

JCG – Artista Plástico

OD – ¿Desde cuándo estás radicado en Venezuela y qué te llevó ahí?

JCG – Desde 1978, atraído por la fuerza de la luz tropical, donde los colores vibran incesantemente, y las sombras van desde los azules hasta los violáceos. A esto se le suma la maravillosa variedad de paisajes, que van desde los Andes, selvas, llanos y un mar que se debate entre una sinfonía de azules hasta llegar a los verdes esmeraldas de una transparencia cristalina.

Esta rica variedad de ecenarios naturales, significa una fuente inagotable de expresión, para un Artista Plástico.

OD – ¿Cómo definirías el arte para ti: una forma de expresión, un medio de vida, una vocación, necesidad interior?

JCG – Es una forma de expresión, donde el Artista plasma y expresa a través de su óptica personal, aquellos elementos y motivos, que forman parte de sus vivencias y sentimientos.

OD – ¿Desde cuando te dedicas al arte en forma tan intensa?

JCG – Comienzo desde muy pequeño, pues recuerdo que a lo 8 años en forma autodidacta incursiono en la talla en madera, escultura, que mas tarde la llevo al campo de la soldadura artística en metales, confeccionando bases de lámparas.

A los 10 años adopto la técnica de tempera sobre terciopelo y cartulina negra, plasmando paisajes chinos.

A los 12 años después de exigirme una mentalidad polifacética en técnicas y estilos dentro de la pintura al óleo, comienzo la temprana recorrida por las Galerías de Arte de 18 de Julio, Montevideo, mostrando mis obras.

A tan corta edad ya me preparaba los lienzos con la técnica de de los grandes maestros.

En este ultimo punto, veo que tenemos una clara diferencia entre los pintores de mi época, y la de los artistas contemporáneos, pues éramos mas artesanales dado que nos preparábamos los diferentes materiales, y hasta confeccionábamos muchas veces los marcos de las obras o fabricábamos nuestros propios pinceles. De aquí nació mi lema “la necesidad, es la madre de la creatividad” donde a este periodo le estoy muy agradecido, ya que la base de un buen restaurador de obras de arte, es saber preparar las diferentes materias y aprender del comportamiento físico y químico de las mismas.

A los 15 años, ya comienzo con una total y seria dedicación por la plástica, estudiando y realizando investigaciones, incorporando las mismas a mis obras, pintando durante gran parte del día y a veces en las noches, ya que para el artista, no existe el tiempo, solo vive la necesidad de concluir la obra como parte de un sentimiento interior, que se sobrepone sobre todas las cosas y a su entorno mismo.

A los 17 años llego a tener quizás la mas incesante dedicación de pintar en el periodo de 3 años 20 horas y durmiendo solamente 4 horas diarias. En esta fase, que emigro solo con mi atril, pinceles y oleos a la Argentina con el sueño de seguir mi crecimiento personal y como artista, expandiendo y proyectando mi obra en Buenos Aires, trabajando sin descanso.

Desde ese momento, siempre seguí mi investigación plástica, donde los periodos de trabajo se alternaron entre los diferentes tiempos, con más o menos dedicación.

OD – ¿Cómo definirías tu arte y cómo lo vinculas con la vida cotidiana?

JCG – Mi arte lo enmarco dentro del estilo “Realista”. La forma como lo vinculo con mi vida, es lo que cotidianamente hago al levantarme en las mañanas, con los primeros rayos del sol. Es dirigirme a mi ventana y observar la esplendorosa montaña Guaraira Repano que forma parte de la cordillera de la costa, y guardiana de Caracas. Disfrutar y analizar su grandiosa majestuosidad y las sinfonías de verdes y dorados cambiantes por las primeras caricias de las luces matinales, donde sus texturas y efectos se transforman conjuntamente como una danza de formas cuyas sensaciones que me inundan en lo mas profundo de mi espíritu.

Luego de haber sentido el aire fresco, perfumado por sus Apamates, Bucares, y el Araguaney de Mayo me siento a plasmar todo ese cúmulo de sensaciones que solo el artista lo logra con su pincel, donde la pluma de un poeta no alcanza a proyectar tantos sentimientos a la vez.

Es por esto, que en este caso, el artista es parte del paisaje, y sino lo siente, no solo no lo ve, sino que tampoco logra trasmitir en su máxima expresión este cúmulo de sensaciones.

Los invito a leer la segunda parte de esta entrevista donde Gayoso responde a nuestras preguntas sobre las corrientes y maestros han influido en su carrera, los aspectos de su arte que más llegan al público, su vinculación con el mundo del diseño y los factores de una y otra disciplina (arte y diseño) que complementan a ambas, sus actividades como docente y restaurador, etc.

(Continúa en la segunda parte).

Plácido Luna.

http://www.octubre.com.uy/pgs_comunidad/20081028_entrevista_gayoso.html